KaRaCueL

2011-12-18T20:16:00.000+01:00

Europa va tras una vaca loca mientras los políticos huyen tras ella en un acto de misericordia hacia Grecia

A ver quien pilla el mejor lugar o no lugar

Exposición y talleres de pintura verano 2011 _ Carcabuey - Córdoba

2011-12-17T15:58:00.003+01:00

http://museohistoricodecarcabuey.blogspot.com/2011/08/visita-guiada-infantil-exposicion-jose_231.html

2011-07-03T17:00:00.002+02:00

Espacios Soñados II. Una Crisis

Espacios Soñados I. Fukushima

COMIENZA EL PROYECTO

2011-03-22T20:08:00.007+01:00

Tiillos_En un mundo feliz. Proyecto 2011

EL TALLER

2011-03-22T20:00:00.000+01:00

ODALISCA_Todos podemos ser putas, los políticos aun más

2011-01-20T22:14:00.005+01:00

La obra se basa en el proyecto teorico de este año que ya desarrollare mejor. En la creación de espacios dentro de una superficie bidimensional. Estructurandolos por medio de un Tiillo (en este caso una “puta”), que divide los espacios, quedando una parte del cuadro en tela sin imprimar y otra imprimida que contiene a la protagonista, que al estar realizada con trazos simples creando espacios en los que dialoga el interior con el exterior, produciendo lugares en los que se produce una comunicación entre Tiillos ( seres humanos ) creando una trama que cubre estas zonas. Trabajando con un tipo de cubismo, que por medio de estos personajes me permite mostrar las diferentes posiciones, circunstancias, formas, actividades que realiza... que puede expresar el serhumano, manteniendolo siempre en comunicación con el resto personas.

En particular esta obra además de tratar el tema del espacio, tiene como tema central, el tema tan actual que nos ha tocado vivir, la crisis bancaria, el juego de los mercados, asistiendo boquiabiertos, al control por parte de ellos de nuestras democracias, y nuestro estado de bienestar, que tanto trabajo ha costado conseguir. Intentando transmitir por medio de la obra, la imagen de la corrupción con por el dinero, de la especulación que tantos problemas a dado vulnerable economía de nuestro país. De los como los políticos se venden por intereses económicos, y no unen fuerzas, comunicación... por los intereses colectivos de las personas que formamos una comunidad que los vota para que nos representen.

Ese colectivo en la obra consigue la imagen de putas vendidas al mejor postor, sin importar la principal idea de que ellos están hay por nosotros y para nosotros, para representarnos, no para ser vividores, sin importarles dar la imagen que transmiten, y que hacen que la sociedad no crea en ellos, cuando debería ser todo lo contrario. Manteniéndose en el poder cuando hacen algo que no es correcto y aún cuando debería dimitir, sin darles vergüenza de sus actos, y salvándose unos a otros, para estupefacción de los demás mortales, que ven que sus intereses siempre están pueden estar en juego, y no pueden hacer nada por impedirlo.

Todos tenemos un precio, todos nos vendemos en alguna ocasión, todos podemos ser “putas” ( en el buen sentido de la palabra, que lo tiene, y sin menos preciar el oficio ), pero ellos, los políticos aveces ya rozan el significado más triste de la palabra, y se venden con total naturalidad, sin escrúpulos, y sin vergüenza absoluta, al mejor postor, siendo los más putos y putas que una persona se puede echarse a la cara.

Proyecto ACCIÓN - ARTE _ FUENTEVAQUEROS

2011-01-20T21:52:00.001+01:00

Ganador del concurso ACCIÓN-ARTE. Realización de un conjunto escultórico en honor a Federico Garcia Lorca, en Fuentevaqueros, Granada.

AGUA, JARDÍN Y ARQUITECTURA

[...]

A medida que progresa la narración, nos adentramos más en la casa, y simbólicamente, en las personas. Cada incidente está perfectamente trabado con el anterior y el siguiente logrando así un magnífico encadenamiento de la acción, siendo notoria la maestría de Lorca a la hora de estructurar el drama, su fluidez, y la naturalidad de los personajes a la hora de entrar y salir, únicamente para escenas de máximo dramatismo; junto con la riqueza costumbrista, la tensión y el encierro: falta de hombres, sexo y amor, falta de espacio (los decorados sencillos no cambian, dando lugar a un sentido de reclusión. Una cárcel sin escape.

Bernarda: Y no quiero llantos. La muerte hay que mirarla cara a cara. ¡Silencio! (A otra hija.) ¡A callar he dicho! (A otra hija.) Las lágrimas cuando estés sola. ¡Nos hundiremos todas en un mar de luto! Ella, la hija menor de Bernarda Alba, ha muerto virgen. ¿Me habéis oído? ¡Silencio, silencio he dicho!
¡Silencio!

Con esta instalación se crea un paralelismo con la obra de Lorca, utilizando la idea de “puerta”.
Bernarda: …En ocho años que dure el luto no ha de entrar en esta casa el viento de la calle. Haceros cuenta que hemos tapiado con ladrillos puertas y ventanas. Así pasó en casa de mi padre y en casa de mi abuelo.

Toda forma cerrada ha de tener entrada. ”Para que una casa no resulte una prisión tiene que tener aberturas hacia el mundo exterior que establezcan una conexión entre los mundos interior y exterior”. Merced a esa conexión las experiencias y memorias del hombre se localizan, y el “interior” del espacio viene a ser un a expresión del “interior” de la personalidad. “Dejar de saber donde termino yo y dónde comienza lo que no soy. Preguntarse: ¿Soy yo el aire que roza mi piel, el aire que respiro, el que expulso y aspiran otros a mi lado? ¿Dónde termino yo y empiezas tú? ¿Dónde están los límites del espacio?”. La “identidad”, pues, está íntimamente conectada con la experiencia de lugar.. … A puerta cerrada (Huis clos) Jean Paul Sartre, 1944.

El lugar, como tal, viene también influenciado por la dirección, creando una área de transición, el límite entre exterior e interior. Y ahí es donde aparece la “puerta”, los arcos, los umbrales...
La puerta puede estar cerrada o abierta y, por tanto, puede unir o separar. Psicológicamente está siempre abierta y cerrada al mismo tiempo, aunque uno de los aspectos es el dominante, el estar cerrada, como en la casa de Bernarda Alba. Pero toda puerta puede ser abierta.
Los ecos de este pensamiento tan actual lo encontramos ya, hace dos mil quinientos años, en esta frase del filósofo Lao-Tse, que hace hincapié en la linea fronteriza entre el espacio interior y el exterior:

“Abrimos puertas y ventanas en las paredes de una casa,
Y por estos espacios vacíos podemos utilizarla”.

La pared que los separa, habla de los vacíos enmarcados por puertas y ventanas, – “para no ver el inmenso torrente de lágrimas que nos rodea, cubrís de encajes las ventanas” - que pueden ser entendidos como los espacios transicionales que son de especial interés para los arquitectos.
Precisamente aquí sea posible encontrar la primera tentativa escrita de interpretación de la linea fronteriza como continuidad del espacio, poniendo énfasis, no tanto en el espacio interior, como en aquellas partes del edificio que transmiten lo interior hacia el espacio exterior, cuestión que sigue fascinando a los arquitectos contemporáneos. Puesto que el espacio existe a ambos lados de la pared y, normalmente, esta linea fronteriza queda anulada en alguna parte, la separación y el nexo se presentan de modo simultaneo.

En esta arquitectura inmersa en la naturaleza, el “habitar” del interior se presenta relacionado con el ámbito público, por lo tanto, el marco de la puerta es la estructura que mejor simboliza lo desarrollado. Recogiendo lo anterior a la misma vez que lo aborda de forma abierta, creando un espacio comunicativo en el que el interior-exterior lo crea el espectador al interactuar con ella. Al igual, que la forma abierta expresa el lugar de comunicación en el que se desarrolla, la calle, un lugar de carácter público, en el que se debe desarrollar la libertad. La vida.

Esta obra busca unir la ruta de Lorca, creando un nexo de unión aún más fuerte en este camino, entre Granada, Fuente Vaqueros, y Valderrubio ( contexto de Bernarda Alba ). El conjunto se enmarca en el Paseo del Tranvía entre el rio Genil, la acequia que sale de él, y las alamedas. Dando vida a este paseo, en el final de esta calle que mira al rio ( al agua ), a las choperas. Cerca de ese camino natural que forma el agua desde Sierra Nevada, y une Granada con Fuente Vaqueros.
Este conjunto monumental, con función paisaje, mira hacia la estructura geo-económica del pueblo, sustentada en la labranza.

“Veréis un estremecimiento total del agua, un bullir de ranas en todas direcciones, una inquietud por todas las orillas y hasta los pájaros que dormían en las ramas umbrosas saltan disparados en bandadas por todo el aire azul”.

Elementos importantes tanto en el paisaje Lorquiano, como en estos pueblos de la vega de Granada son el agua y los chopos. Y así el “conjunto-fuente” los unirá, creando una chopera ( con los mismos troncos de este arbol) en perspectiva casi arabigo- renacentista, que cambiará de tono con la luz y la humedad, como las variaciones tonales de las hileras de alamos de la vega.
Lorca dijo “Yo digo que nací en Fuente Vaqueros para que la gloria o la fama que haya de caer en mí, caiga también sobre este simpatiquísimo, sobre este modernísimo, sobre este jugoso y liberal pueblo de la Fuente”. La fuente un lugar tan importante para este pueblo, la gente iba ha hablar a la fuente, lugar público en el que se desarrolla la comunicación. Al igual, en la obra se presenta la importancia de la fuente, del agua, que mana sin cesar por la vega de Granada, que riega los campos, las alamedas, con las acequias y los arriates. Estos, desarrollaran la distribución del conjunto, creando una fuente a partir de la escultura central ( la estructura “Adela”, la “libertad” ), que por medio de pequeñas acequias ( con tejas ) entre arriates llevará el agua ( la “libertad” ) por todas las esculturas, para conseguir un pequeño jardín laberíntico por el que pasear e interactuar con las obras ( arriates de Lirios de agua o Calas ( justo al lado del agua ) y de Rosas Mutabile, flores lorquianas por excelencia, entre otras ) para luego el agua desembocar en la acequia, que seguirá sigilosa por la vega.
En el proyecto se pretende aprovechar las luces y las sombras naturales con el contraste de las texturas de los elementos que se emplean, el juego de sus colores y la selección de las especies vegetales que han de ser partes vitales del proyecto.

Otro guiño del conjunto irá orientado hacia las palabras que el propio Lorca escribe en “ALOCUCIÓN A FUENTEVAQUEROS” en Septiembre de 1931, en un gran día para el pueblo, por el regalo de la inauguración de la biblioteca pública. Algunas de sus frases fueron:

“Fuente Vaqueros, que siempre ha sido un pueblo de imaginación viva y de alma clara y risueña como el agua que fluye de su fuente, sacará mucho jugo de esta biblioteca y servirá para llevar a la conciencia de todos, nuevos anhelos y alegrías por saber”. “Es preciso que los pueblos lean para que aprendan no sólo el verdadero sentido de la libertad, sino el sentido actual de la comprensión mutua y de la vida”. “Donde hay ignorancia es muy fácil confundir el mal con el bien y la verdad con la mentira”. “Una biblioteca que es una voz contra la ignorancia, una luz perenne contra la obscuridad”. “Que esta biblioteca sirva de paz, inquietud espiritual y alegría en este precioso pueblo donde tengo la honra de haber nacido, y no olvidéis este precioso refrán que escribió un crítico francés del siglo diecinueve: ” .

Las hojas de los libros estarán conectadas con este conjunto. Esos álamos que son los personajes de esta obra de Lorca crecerán de las hojas, como personajes que crecen de un libro. Hojas presentadas como placas en el suelo formadas de empedrado de cantos lavados ( piedras ), muy típico de Andalucía, que se distribuirán entre el “conjunto-fuente”, entre los arriates y jardines, de las cuales saldrán las estructuras, simulando el papel con el blanco y y la tinta con el negro .
El color y el material tiene además otra relación; el negro, y el blanco de las piedras (viene reforzando la idea del documental fotográfico de la obra: blanco para lo positivo en general ( la vida, la libertad, la sexualidad ) mientras que lo negro se refiere a la muerte ( Adela muere de noche ) y al fanatismo religioso ( luto ).
La diferencia de tamaños en las esculturas, como las formas, abordan temas relacionados con la obra de teatro tales como: Las clases sociales, el papel de la mujer, la sociedad opresiva, la tradición, las relaciones de poder, el deseo de libertad; además de las edades de las protagonistas, el matriarcado...

Bernarda: Menos gritos y más obras. Debías haber procurado que todo esto estuviera más limpio para recibir al duelo. Vete. No es éste tu lugar. (La Criada se va sollozando) Los pobres son como los animales. Parece como si estuvieran hechos de otras sustancias.

Mujer 1: Los pobres sienten también sus penas.

Bernarda: Pero las olvidan delante de un plato de garbanzos

[...]

Parte del texto que complementa la obra

Obras en Atenas_Hablar sobre la sociedad

2011-01-20T19:58:00.003+01:00

Exposición en ATENAS. Galeria Ammeba_verano 2010

2011-01-11T21:55:00.002+01:00

Grabados en punta seca, y xilografias

Esculturas en movimiento

Concurso en Atenas y Exposición en TEXNÓPOLIS_Centro de artes contemporaneas

2010-03-14T20:56:00.005+01:00

Algo más

2010-03-10T13:20:00.002+01:00

Cartel RiNCoN

2010-02-09T18:41:00.003+01:00

Tiillos automatas

2009-06-05T20:43:00.004+02:00

Son varios automatas a los que sumaren algunos más para la instalación del "serhumano" y el espacio, más adelante pondré fotos de la instalación y de toda la serie de cuadros de tiillos, junto con las de la instalación que construire en el exterior de la facultad.

dIBuJoS

2009-06-05T20:20:00.004+02:00

2009-06-03T20:38:00.004+02:00

SI ES QUE A VECES SOMOS UNA BASURA

ME SIENTO UNA CUBETA

RATAS

2009-05-14T11:36:00.005+02:00

Los textos del trabajo, más la extensión de lo que me hubiera gustado que fuera, pero por falta de medio y presupuesto quedo así, los añadire en breve

INVITACIÓN

2009-05-10T14:55:00.004+02:00

Os invito a todos los que veais mi blog a pasar un buen rato en el Rincón De San Pedro, Carrera del Darro 12.GRANADA
Buena música. Los fines de semana noche sesiones en directo de djs, por la tarde clásicos de la música para disfrutar de un buen cafe o cervecita con unas vistas increibles de la Alhambra. Fiestas con decoraciones para flipar y gente divertida para conocer y poder hablar.

EL SERHUMANO Y EL ESPACIO proyecto personal

2009-05-08T15:08:00.012+02:00

Concepto de espacio

El sistema de espacios

- El espacio Pragmático, de acción física, el espacio en el que el hombre actúa, el concepto que integra al hombre con su ambiente orgánico.
- El espacio Perceptivo, de orientación inmediata, es el espacio que el hombre percibe, es esencial para su identidad como persona.
- El espacio Existencial, que forma para el hombre la imagen estable del ambiente que le rodea, le hace pertenecer a una totalidad social y cultural.
- El espacio Cognoscitivo del mundo físico, es un concepto que implica pensar acerca del espacio.
- El espacio expresivo o artístico, es el espacio creado por el hombre para expresar su imagen del mundo. El espacio arquitectónico es un espacio expresivo, que al materializarse pasa a ser espacio pragmático.
- El espacio estético, es la construcción abstracta que sistematiza las propiedades de los posibles espacios expresivos. El espacio estético es estudiado por teóricos en arquitectura y filósofos.
- El espacio Lógico, es el espacio abstracto de las relaciones lógicas, que ofrece el instrumento para describir los otros espacios.

Concepto de “serhumano”

El “serhumano” no es más que un primate, un mamífero de enorme éxito evolutivo, que por la selección natural de los que mejor se reproducían, ha llegado a tener las características que hoy goza.

Así, por ejemplo, en un libro reciente, alguien ha opinado que el secreto de la vida no es el ADN, por muy importante que sea a nivel molecular, sino el principio de colaboración entre los genes, en un espacio. En pocas palabras, cualquier gen que, surgiendo como resultado de una mutación, no aportara algo positivo a la supervivencia de todos los demás genes del organismo (o por lo menos no resultara destructivo) jamás sobreviviría. Los relativamente pocos genes de un microorganismo unicelular primitivo hace miles de millones de años, por ejemplo, o bien cooperaban para sobrevivir y reproducirse todos ellos, o de lo contrario perecían también todos. Estos «equipos» de genes han ido añadiendo más y más «jugadores» con el paso del tiempo, constituyendo al fin organismos extremadamente complejos, pero el objetivo ha sido siempre el mismo: un gen sólo «gana» (se reproduce en la siguiente generación) si también «ganan» todos los demás.

No es que el ser humano pueda ser comparado con los genes ya que no sería posible, pero tanto uno como otro ocupan espacio. Pero si se puede afirmar que el “serhumano” es un gran número de genes que cooperan para reproducirse eficazmente generación tras generación. Y el conjunto de reacciones que se producen en nuestro “ser” (mente) no dejan de ser simples reacciones químicas que producen sentimientos a veces ordenados (que nos confunden sobre la creencia en ser un ser superior por la capacidad de pensar) otras tantas desbocados (que nos llevan a pensar en que somos un simple animal de instintos).

Con el ser humano la cooperación genética da un salto enorme al surgir el habla. El habla humana es la más asombrosa de todas las estrategias de cooperación, y ha hecho del ser humano el organismo dominante que es en este planeta, para relacionarnos entre si y poder crear un entramado social el cual se desarrolle sobre una serie de espacios naturales, construidos o imaginados.

Por lo tanto quiero aborda el tema del espacio, como "dimensión de existencia humana", para sobre esta base, desarrollar el concepto de la relación de ser humano con el espacio, conceptualizando el espacio y el concepto de espacio existencial. Trazando una relación entre el espacio arquitectónico y la relación de una serie de objetos que presentan o representan a sereshumanos dialogando con él o en él. Utilizando tanto el plano bidimensional como el tridimensional.

Desarrollo de la idea
Trabajo existente pero no expuesto en esta pagina

Algunos trabajos de pintura

2009-05-06T18:48:00.005+02:00

JEAN TINGUELY

2009-04-28T19:21:00.004+02:00

META-ARMONIA IV_FATAMORGANA

Artista vinculado a la vanguardia europea de posguerra, sus monumentales esculturas máquinas y máquinas absurdas, realizadas con objetos industriales usados, ocuparon los principales museos y lugares públicos de ciudades como París, Nueva York, Milán o Basilea. En España, sus piezas llamaron la atención entre la oferta de las ferias de Arco. Tinguely se definía como "un artista del movimiento".

Nació en Friburgo y acudió de forma irregular, entre 1941 y 1945, a la Escuela de Artes y Oficios de Basilea, donde se interesó por las posibilidades que presenta el movimiento como medio de expresión artística. Sus primeras obras, que datan de 1945, eran pinturas abstractas y montajes construidos con alambres, piezas de metal y otros materiales de desecho. Tinguely se instaló en París en 1953 y comenzó a realizar construcciones espaciales que contenían varillas en movimiento o elementos giratorios. A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960 comenzó a realizar sus ‘máquinas de dibujar’, precursoras de lo que él denominaría ‘meta-máticas’, que producían dibujos abstractos. Una de ellas se ponía en marcha mediante la inserción de monedas en una ranura y podía llegar a realizar cerca de 40.000 cuadros diferentes. En sus esculturas intervienen chirridos y crujidos de poleas, de bielas, frotamiento de los diferentes órganos de la máquina, sonidos reales, “naturales” o fabricados, y hasta la voz humana.

Conocido, sobre todo, por sus ‘máquinas de dibujar’ y elaborados aparatos mecánicos, realizados con objetos de desecho, diseñados sin ningún otro propósito más que el de realizar movimientos aleatorios o el de autodestruirse mientras funcionan. También fue uno de los firmantes del manifiesto del nuevo realismo, movimiento concebido por el crítico Pierre Restany, por Yves Klein y otros artistas, que surgió como reacción al expresionismo abstracto. Proclamaba que la chatarra, la basura y otros objetos cotidianos podían transformarse en obras de arte.

Fascinado por Malevitch, Schwitters, Klee y la Bauhaus, así como por los futuristas y los surrealistas, en todo lo cual se puede adivinar ya su evolución artística futura. Con todo, fue a partir de su instalación en París, el año 1952, que cronológicamente coincidió con el triunfo de la pintura informalista francesa y la aparición de las primeras reacciones en su contra, cuando la trayectoria de Tinguely tomó un rumbo definido.

Las investigaciones sobre los movimientos de las máquinas realizadas por Tinguely alcanzaron un apogeo imprevisto cuando expuso, en 1960, su Homenaje a Nueva York en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Esta enorme instalación, ideada para autodestruirse, estaba compuesta, entre otras cosas, de un piano, 50 ruedas de bicicleta, un globo sonda, una bocina de coche, una lata de gasolina que, como parte de la acción, estaba diseñada para encenderse mediante una vela, y un rollo de papel en el que la máquina realizaba dibujos automáticos. A esto se sumaba una dimensión olfativa mediante la incorporación de productos químicos malolientes y que producían humo. Sin embargo, poco tiempo después de su puesta en marcha, inesperadamente el artefacto entero quedó envuelto en llamas. A pesar de este dramático resultado, Homenaje a Nueva York causó sensación, y le siguieron otras esculturas mecánicas, entre ellas Estudio para el fin del mundo, expuesta en Copenhague en 1961 y en Las Vegas en 1962, y Homenaje a Dalí, instalado en Figueras, ciudad natal de Salvador Dalí. Poco después Tinguely empezó a realizar esculturas monumentales.

La importancia de la obra de Tinguely radica tanto en los materiales (objetos de la vida cotidiana que son significativos por su misma insignificancia y su carácter prescindible) como en el movimiento mecánico, que con su inutilidad destructiva va en contra del espíritu de la era de la mecánica. Pero la obra de Tinguely también posee un elemento de humor y de ironía intrínseco al nuevo realismo. Al combinar las cualidades del arte cinético y del happening, invita a la participación del espectador.

Tinguely realizó muchas de sus grandes esculturas en colaboración con otros artistas, como Niki de Saint Phalle, su segunda mujer, Bernhard Luginbühl, Yves Klein o Daniel Spoerri. De hecho, la idea de colaboración artística es esencial en Tinguely, que colaboró no sólo en el campo de la escultura, sino también en producciones para teatro y en el diseño de exposiciones.

En las décadas de los setenta y ochenta comenzó a trabajar en esculturas monumentales como la instalación "Grosse Méta Maxi-Maxi Utopía" de 1987 (en la imagen de arriba), que se mostró en una retrospectiva en el Palazzo Grassi de Venecia. Sus esculturas-máquina se presentaron en toda Europa: en la Tate Gallery de Londres, en el Georges Pompidou de París o en la Kunsthaus Zürich. Prueba de su éxito son los numerosos encargos de arte público que recibió entonces, como la Fontaine Igor Stravinsky que realizó en 1983 junto con Niki de Saint Phalle para la plaza adyacente al Centro Georges Pompidou.

Tras su muerte -en 1991, en Berna, Suiza-, su viuda llegó a un acuerdo con la empresa servicios médicos Roche de Basilea para la creación de un museo que albergara su obra, que se inauguraría en 1996 en la finca donde Tinguely tuvo el taller y residencia.

Gran artísta que me ayuda a utilizar una serie de elementos que introduciré en la instalación de mi proyecto personal.

Las siete maravillas de la ciencia

2009-04-28T19:09:00.003+02:00

Tres libros coinciden en el mercado para reivindicar la belleza de la física

Más de 150 años después de que el físico inglés Isaac Newton demostrara, mediante un sencillo prisma, que la luz del Sol no era pura, como se creía, sino un batido de rayos de colores, el poeta romántico John Keats le maldijo por haber “despojado al arco iris de su misterio”. En su poema Lamia, escrito en 1820, Keats firmó una acometida contra la ciencia (la filosofía natural, como se conocía entonces) por haber convertido la luz en un simple fenómeno gobernado por las leyes matemáticas. “Antes había en el cielo un sobrecogedor arco iris, hoy conocemos su urdimbre, su textura; forma parte del aburrido catálogo de las cosas vulgares. La filosofía recorta las alas del ángel, conquista los misterios con reglas y líneas, despoja de embrujo el aire, de gnomos las minas; desteje el arco iris”, escribía Keats.
Los científicos "han despojado al arco iris de su misterio" escribió John Keats
Y su aversión a la frialdad científica llegó al siglo XX. Incluso el padre de la teoría de la relatividad, Albert Einstein, asumía el carácter único del arte y agachaba la cabeza ante el supuesto genio irrepetible de los artistas. “Aunque Newton o Leibniz no hubieran nacido, el mundo habría tenido el cálculo, pero si Beethoven no hubiera vivido, nunca hubiéramos tenido la Quinta Sinfonía”, dicen que dijo Einstein.
Pero los tiempos han cambiado, como demuestra la coincidencia en el mercado de tres libros que reivindican la belleza de la ciencia: El prisma y el péndulo, de Robert P. Crease, Los diez experimentos más bellos (publicado en inglés por la editorial Alfred A. Knopf), del periodista de The New York Times George Johnson, y De Arquímedes a Einstein (Debate), de Manuel Lozano Leyva.
El primero de ellos, que la editorial Crítica publicará en castellano el próximo 8 de abril, es el inspirador de los demás. En 2002, Crease, director del departamento de filosofía de la Stony BrookUniversity, en Nueva York, pidió a los lectores de la revista Physics World que le enviaran una lista con los que, a su juicio, son los experimentos más bellos jamás realizados por los científicos. El resultado fue una clasificación equivalente a las siete maravillas del mundo antiguo propuestas por los historiadores griegos y romanos.
Entre las pirámides de la ciencia, según los lectores de Crease, figuran el experimento de la doble rendija de Thomas Young, que reveló la naturaleza ondulatoria de la luz, el descubrimiento del núcleo atómico por Ernest Rutherford y el famoso experimento atribuido a Galileo en el que, supuestamente, arrojó dos bolas de diferente peso desde la Torre de Pisa para demostrar que la caída libre de los cuerpos no depende de su peso. Todos ellos supusieron un cambio de paradigma en la ciencia, transformaron la manera de pensar del mundo entero y, como sugiere Crease, su belleza es comparable a la de una pieza de Stravinsky o una pintura de Caravaggio.

Experimentos feos

“También hay experimentos feos”, explica el filósofo a Público, “pero están relacionados con la falta de ética, como los realizados por los nazis durante el Holocausto, o son posibles gracias a desastres, como los estudios de personas accidentadas o ambientes contaminados”. Crease recuerda en su libro la discusión entre el físico Richard Feynman y un amigo poeta. El literato recriminaba al físico que, mientras que los artistas admiran la belleza en una flor, los científicos la diseccionan hasta convertirla en un objeto sin vida.

También hay experimentos 'feos' como los realizados por los nazis

Pero Feynman, premio Nobel de Física en 1965, no se calló. Un científico reconoce la belleza de una flor, como lo hace un poeta, replicó, pero además se asombra por la belleza de sus procesos celulares, de su papel en un ecosistema. “El conocimiento de la ciencia sólo agranda el interés, el misterio y el asombro que produce una flor”, espetó a su amigo, incapaz de apreciar las maravillas del metabolismo de las células vegetales. Conocer el interior microscópico de una flor, añade Crease, no impide la apreciación de su belleza, igual que aprender acústica no disminuye la apreciación de las Cuatro estaciones de Vivaldi.
El museo de obras de ciencia que ha construido el filósofo en El prisma y el péndulo incluye experimentos de la Grecia clásica, como el de Eratóstenes, y otros casi contemporáneos, como una versión de la doble rendija de Young, cambiando el chorro de luz por electrones, con la que Feynman mostró los fenómenos imposibles de comprender del mundo cuántico. “La lista nos transporta desde un tiempo de herramientas simples y caseras, como los relojes de sol y los planos inclinados, hasta la época de la instrumentación avanzada. Desde los tiempos en que los científicos trabajaban solos (o como mucho con uno o dos ayudantes) hasta el presente, cuando los científicos a menudo trabajan en equipos formados por cientos de personas”, explica Crease.

10.000 millones de electrones

El experimento que inspiró el libro es uno de estos últimos. Hace más de 20 años, el autor se encontraba en un despacho oscuro de la Facultad de física de la Universidad de Harvard. Sentado frente a él había un tipo con gafas de culo de vaso rodeado por el humo de un puro. Era el físico Sheldon Glashow, que había ganado el premio Nobel unos años antes. “¡Aquel sí que fue un experimento bello!”, gritaba.

"La física es como el sexo; tiene un fin práctico, pero no lo hacemos por eso"

Glashow se refería al llamado experimento de las corrientes neutrales de SLAC, llevado a cabo en la primavera de 1978, en el que decenas de científicos de un acelerador de partículas de Stanford dispararon electrones polarizados contra un grupo de neutrones y protones. Buscaban una nueva teoría sobre la estructura de la materia y la encontraron, pero para ello tuvieron que analizar 10.000 millones de electrones.
Cuando Glashow comenzó su relato, Crease no entendió su referencia a la belleza. Cuando terminó su exposición, comprendió todo. El Nobel era una fuente fiable. Sabía más sobre el arte que cualquier artista sobre su campo de trabajo:la física de partículas.
Crease termina su libro con una hermosa cita de Henri Poincaré: “Los científicos no estudian la naturaleza porque sea útil, la estudian porque les place; y les place porque es bella. Si la naturaleza no fuese bella, no valdría la pena conocerla, no valdría la pena vivir la vida”. Sin embargo, Feynman lo resumió de una manera mucho más intuitiva: “La física es como el sexo: seguro que tiene una utilidad práctica, pero no es por eso que lo hacemos”.

Los experimentos más hermosos

1. La imposible doble rendija de Thomas Young
El experimento de la doble rendija de Young es el más bello de la historia de la ciencia, según los lectores de ‘Physics World’. El físico inglés Thomas Young lo llevó a cabo en 1801 para demostrar que la luz se comportaba como una onda. Pero lo increíble llegó más tarde. Los físicos recuperaron su doble rendija en el siglo XX para estudiar las leyes que rigen la mecánica cuántica. Sus conclusiones son difícilmente digeribles para una mente humana. Al disparar un electrón hacia la doble rendija se dieron cuenta de que podría atravesar una de las hendiduras o la otra. Pero el electrón también podía ‘decidir’ no atravesar ninguna. O cruzar las dos a la vez. El experimento más bello de la ciencia deja más boquiabierto que cualquier obra de arte.

2. Eratóstenes, la sombra y el tamaño de la Tierra
A mediados del siglo III antes de Cristo, el académico griego Eratóstenes no pasaba de ser un pensador de segunda fila al que sus colegas apodaban ‘El Beta’, la segunda letra del alfabeto griego, porque sus reflexiones nunca eran de primer rango. Sin embargo, fue el primer científico que midió el tamaño del planeta, más de 1.700 años antes de que Cristóbal Colón confirmara con su viaje a América que la Tierra no era plana. Eratóstenes no necesitó grandes máquinas, sólo un reloj de sol y mucha imaginación. Su experimento, como narra Crease en ‘El prisma y el péndulo’, subraya la conexión de todos los elementos del universo: la dimensión de una sombra, única y fugaz, está relacionada con el tamaño de la Tierra y con su posición remota respecto al Sol.

3. No gira el péndulo, gira el planeta entero
Gracias a la aversión a la sangre del francés Léon Foucault, el mundo perdió un cirujano pero ganó un físico excepcional. En 1851, el príncipe Luis Napoleón Bonaparte pidió a Foucault que hiciera una demostración pública de su experimento, gracias al cual la rotación de la Tierra parecía hacerse visible. El físico cumplió la voluntad del futuro emperador de Francia y colgó una bala de cañón de la cúpula del Panteón de París, mediante un cable de 67 metros. El 26 de marzo, uno de los ayudantes de Foucault puso en marcha el gigantesco péndulo. La bola de acero oscilaba en una línea recta, pero su plano de oscilación se movía muy lentamente en el sentido de las agujas del reloj. Los asistentes podían pensar que el péndulo cambiaba de dirección, pero sabían que no era así. Lo que estaban viendo era la rotación del planeta. Lo que giraba era el suelo del Panteón, eran ellos, la Tierra entera.
El péndulo de Foucault, uno de los experimentos más sencillos de la historia de la ciencia, demostró a los espectadores que no eran más que pasajeros a bordo de una pelota que da vueltas sobre sí misma por el universo.

4. Un ‘spray’ de aceite para ‘ver’ los electrones
“Quien haya visto ese experimento, literalmente ha visto electrones”, dijo el físico estadounidense Robert Millikan cuando recibió el premio Nobel en 1923. El científico había concebido un aparato con el que, mediante un ‘spray’ de aceite, consiguió medir de manera precisa la carga de un electrón, uno de los ladrillos fundamentales de la materia. Otros físicos lo habían intentado, pero sólo él consiguió hallar la unidad básica de la electricidad.

5. Un increíble hallazgo con un juguete burgués
“La más considerable revelación realizada sobre el funcionamiento de la naturaleza”, hasta enero de 1672, era, según el científico inglés Isaac Newton, un descubrimiento suyo. No exageraba. El físico y alquimista había demostrado, unas semanas antes de esa fecha, que la luz blanca, la del Sol, no era pura, sino una mezcla de rayos de colores. Su principal herramienta fue un simple prisma, utilizado por los burgueses como un juguete.

6. Al núcleo atómico con papel de aluminio
El descubrimiento de la estructura interna del átomo empezó con un sencillo experimento. El físico británico Ernest Rutherford envolvió uranio con varias capas de papel de oro y midió la cantidad de radiación que las atravesaba. A partir de ahí, y gracias a una cadena de ensayos, averiguó que el hasta entonces desconocido átomo está formado por un núcleo con carga positiva rodeado por una nube de electrones con carga negativa.

7. La leyenda de Galileo y la torre de Pisa
Dice la leyenda que, alrededor de 1620, Galileo lanzó una bola de cañón y otra de madera desde la torre de Pisa para demostrar a los aristotélicos que dos objetos de pesos diferentes caen a la misma velocidad. En 1971, el astronauta David Scott confirmó sus conclusiones en la Luna, dejando caer un martillo y una pluma de halcón. Ambas tocaron el suelo casi simultáneamente.

Diario_PUBLICO

AGUA

2009-04-26T16:30:00.008+02:00

Textos realizados pero no expuestos en esta pagina

OBRA: Jose KaRaCueL
TEXTO: Mariano Muñuz Hurtado de Mendoza. Profesor de Filosofía

rESPUESTA

2009-03-16T20:25:00.004+01:00

eSTIMULO

2009-03-12T16:02:00.004+01:00

La invención de Morel

2009-03-12T15:17:00.004+01:00

2009-03-11T22:31:00.000+01:00

En casa de mi amigo Jean Fraçois

Postura ante un conflicto

2009-03-10T11:47:00.004+01:00

Sobre la postura que habría que tomar ante un conflicto armado como es el que acaece en oriente próximo entre judíos y palestinos, tendríamos que remontarnos a la incompetente política de Gran Bretaña en la zona, ha un tratado firmado por la ONU en 1947 en el cual concedió a los judíos vía libre para la construcción de un estado independiente, Israel. A grandes intereses económicos y estratégicos. A unas ideologías y teologías de un tal Herzl en unas tierras prometidas por Yahvé a su pueblo. Y como no a la lucha entre religiones.
Unas tierras con vida propia, las cuales fueron arrebatadas de igual modo que se les arrebataron a los judíos sus hogares, por manos de los nazis.
Ni de una postura, ni de otra; yo, en este conflicto me siento imparcial, ya que los estados deberían ser políticamente laicos, y las religiones en sus templos y en las mentes de los seres.

De la legalidad de este suceso, tal vez lo único que puedo decir es que en cuanto a lo legal de un acto las barreras que lo separan de lo ilegal son muy frágiles, ya que se pasa de ser legal a ilegal con una simple ley que un gobierno impulsa, lo que nos hace ver el juego tan relativo que el termino ofrece y que hace que los demás sin más tengamos que acatar o por el contrario luchar; de la legalidad de arrebatar pequeñas posesiones a familias, mi postura esta en contra. Y con respecto a las religiones, las cuales se suman a gran mayoría de conflictos, y que en ningún momento deberían estar unidas a la política del ser humano, mi postura es:
Esas formas de encontrar sentido a la existencia humana, por miedo a la realidad, con las cuales no me siento nada identificado, pero que llego a comprender, al igual que su existencia, y la debilidad para mi forma de pensar de esas personas que se agarran a ellas, (como yo me agarro a otras cosas) pretenden hacer del ser humano un demonio que lucha por una tierra que realmente no le pertenece a nadie. Simplemente pasamos por espacios que nos ceden durante algún tiempo, los cuales debemos compartir, respetar, y cuidar entre todos.

Por lo tanto como ser individual, ante cualquier conflicto estoy inequívocamente en contra. Yo respiro el mismo aire que todo ser animal, y llanamente digo que una de las grandes cosas importantes que tiene el ser humano es el respeto a la individualidad de cada uno, a la posibilidad de poder realizar cualquier acto sin tener que dar ningún tipo de explicación, utilizando tu “libertad” y el respeto al que esta a tu lado, sin privar a los demás de esa misma “libertad” en cualquier espacio.

En dos grandes lienzos que han definido dos grandes conflictos distintos, y a la vez parecidos, aparece una imagen, una persona en el suelo gritando con la cabeza hacia arriba. En uno de ellos de sufrimiento, pero a la misma vez de satisfacción y alegría por la libertad obtenida. En él, la libertad guía al pueblo hacia esa revolución obrera que dará grandes derechos y deberes, con la llegada de la ansiada Republica, “La libertad guiando al pueblo “ de Delacroix, en el cual nos relata la Revolución Francesa, donde el pueblo destituye el gobierno de Luís XVI, y construye un gobierno de personas.
En el segundo, grita también de sufrimiento, porque además de ver arrebatada la libertad que el gobierno de la Republica le había concedido a los españoles, un bombardeo nazi (aliado de los nacionales) sobre Guernica lo había dejado sin casa y sin familia. “El Guernica” de Picasso obra que resume un conflicto tan importante para nosotros como fue la guerra civil en el cual además de grandes perdidas nos arrebataron la libertad de nuestro pueblo, el exilio de un gobierno legal, la perdida de la democracia, junto con el desastre que conlleva una guerra.

Los españoles también tenemos en nuestra historia, la expulsión de los musulmanes por parte de los Reyes Católicos, y de los judíos por Felipe II, un triste pasaje que nos remonta siglos atrás, pero que deja de nuevo al descubierto los intereses tan depravados que pueden llegar a impulsar al ser humano por medio de las religiones, pasando por alto, que todos somos personas.

Esa postura en la cual, sobre el suelo me encuentro con el brazo estirado, con tensión, gritando, creo que es la adecuada para expresar de forma individual mi postura ante este conflicto. Sobre mi cuerpo estará apontocado el de otro compañero, pisándome para sentirse poderoso y para lograr su objetivo con orgullo, haciendo ver que yo no puedo disfrutar del espacio común que he tenido la suerte de admirar.

Gregor Schneider

2009-03-10T11:38:00.001+01:00

Hace varios años Gregor Schneider comenzó a transformar su casa, en una ciudad Alemana. Desde entonces trabaja ininterrumpidamente ella.

La casa en si tiene ya un gran simbolismo, al estar emplazada en la fabrica de plomo de su familia, un lugar en cual la gente no le agradaría vivir.

Esta situación llevo al artista alemán ha hacerse con la casa familiar y crear su propia obra en el interior. Coloca paredes delante de paredes ya existentes, quita el revestimiento para hacer ver el interior, el aislamiento de la casa. Trabaja sobre todo con habitaciones las cuales no tienen ninguna abertura al exterior. Utiliza materiales de casas en estado de abandono, los cuales le llevan ha hacer una crítica que habla de la posguerra alemana, utilizando espacios cargados de simbolismo, que perpetúan en el tiempo, inmóviles, impersonales. Schneider crea habitaciones que cambian sus proporciones pasillos que no sabes donde pueden acabar, puertas que no lo son, espacios que han perdido su identidad como habitáculos de uso personal, en los cuales las personas se desarrollan. También se constatan físicamente las consecuencias de un ambiente cada vez más opresivo sin conocer directamente sus causas.

La construcción de la casa le lleva a que su producción gire entorno a ella. La graba, fotografía, reproduce, modifica, destroza, construye. Una casa con vida, pero a la misma vez muerta agonizante en el tiempo.

Este trabajo, que le llevo a crear su espacio artístico en casa, funcionando como estudio, taller, museo… le llevo a ser el artista alemán elegido como representante en la 49 bienal de Venecia con la cual obtuvo el León de oro. En esta obra, ideo una casa dentro de un edificio neoclásico. Esta, estaba compuesta de dos plantas, con un hall de distribución, escalera, puertas que dan a los distintos ambientes y ventanas que dan supuestamente al exterior. La visita podía haber sido la de cualquier casa, y tendría sólo el interés de ser una casa dentro de otra. Pero cuando se intenta abrir las puertas, alguna está trabada, otra conduce a una habitación común y una tercera (muy pequeña, debajo del descanso de la escalera) conduce a un pasadizo oscuro por el que hay que entrar agachado. A partir de allí comienza una experiencia límite, porque lo que Schneider construyó allí es un anexo clandestino, que en parte recuerda a la casa de Ana Frank., espacios sin límite, difícil de describir por la carga que produce el estar realmente ante ello, agobiantes, laberínticos, que te produce claustrofobia y opresión y prácticamente imposible de recorrer y muchos menos de habitar, hacen que el espectador quede atrapado en el espacio-tiempo, produciendo una reacción sobre tal vez desagradable. A través de huecos verticales y horizontales, falsas paredes, corredores estrechos y asfixiantes, y hasta pasajes por los que hay que arrastrarse, se descubren míseras pocilgas, zonas pútridas, con objetos abandonados y elementos en descomposición.

Una obra sobre el autoritarismo, que transforma a quien la recorre en un fugitivo u represor en busca de sus víctimas, y que lleva al espectador a limites insospechados, pudiendo llegar a sentirse mal, y produciendo una comunicación muy directa.

Muchas de las referencias que han acompañado el trabajo de Schneider se condensan ahora en Weisse Folter “Tortura blanca”, un proyecto ideado para K21 en Dusseldorf, pero otras han desaparecido. Schneider ha intervenido la zona del sótano, un espacio con forma de capilla, dedicado a exposiciones temporales. Es como una Kunsthalle dentro de un Kunstmuseum que, por cierto, alberga una de las mejores colecciones de arte contemporáneo de Europa. En ella elimina toda alusión a la presencia humana. Aludiendo a los métodos utilizados por EEUU para torturar sin dejar apenas rastro. El visitante se asoma a un espacio en el que lo visual pierde peso en favor de otras experiencias sensitivas que traban el recorrido: una sala de bajísimas temperaturas que semeja una cámara frigorífica, otra de la que emana un intenso olor, y otra totalmente a oscuras con los muros recubiertos de esponja, para finalmente alcanzar la sala final en la que se ofrecen dos salidas al exterior que llevan a un mismo lugar, el parque del museo.

Otra obra cargada de polémica fue la que quiso llevar a la 51 bienal de Venecia, la cual consistía en un simple cubo negro de grandes dimensiones, asiendo alusión a la Kaaba. Una sencilla forma cúbica en el que se condensan muchas de sus preocupaciones, fundamentalmente la noción de espacio y brecha entre lo privado y lo público. La Kaaba es el lugar hacia el que miran mil cuatrocientos millones de personas de todo el mundo. Y sin embargo es, a la vez, uno de los lugares más privados, un lugar cerrado de cuyo interior nada sabemos. Estos cubos implican una gran carga de simbolismo y una crítica muy poderosa a la religión como fenómeno social de masas.

Esto produjo que la bienal no la aceptara por la controversia y polémica social que acarrearía la exhibición de esa obra en una bienal de carácter internacional, algo que bajo mi punto de vista hizo que ver que aun en este tiempo el arte no se a liberado de ciertos prejuicios, y haciendo patente que la comunicación ( arte como fenómeno comunicativo) aún tiene un largo camino que recorrer para hacer objetivos ciertos pensamiento, y poder expresar libremente lo que uno quiere comunicar sin hacer ningún mal a nadie.

Con su último trabajo, también controvertido, pretende exponer la belleza de la muerte, realizar una experiencia artística en la que participen cadáveres y enfermos terminales, jugar con la sensibilidad de las personas adentrándose en el morbo del sufrimiento y la muerte humana, sólo que esta vez se trata de un ser humano y bajo su consentimiento. Con proyecto, y participantes en mente. El escenario sería el museo Haus Lange de Krefeld que fue edificado en la primera mitad del siglo XX por Mies van der Rohe.

El enfermo estará totalmente de acuerdo, y podrá tomar decisiones en el momento, al igual que su familia. Este en cuestión, será un rico coleccionista de arte, al cual podrá admirar el público, pero no como si observaran una exposición, si nos va bien, sin que el enfermo prácticamente no se de cuenta.

La idea no le es nada atractiva para autoridades y demás organizaciones de derechos humanos ya que ven en su obra algo cruel y morbosa. Tendremos noticias nuevas de su proceso, el cual creara mucha controversia y polémica, además de hacernos pensar varias preguntas ¿Qué es arte? ¿Cuáles son sus límites? ¿Hasta donde llega la individualidad al experimentarlo?...

INSECTOS

2009-01-25T23:48:00.001+01:00

Ahí van unas fotitos de los algunos insectos gigantes que algún que otro día me ha dan por realizar con una medida de unos 40 o 50 cm de largo.

2009-01-25T23:33:00.000+01:00

La Bienal de Arte Contemporáneo de Sevilla vuelve en su tercera edición pisando fuerte y apostando por las nuevas tecnologías, otorgándole gran importancia en el desarrollo del arte actual e introduciéndonos por medio de un lema como es YOUNIVERSE en ese universo nuevo que se nos habré pensando en la experimentación que ha tenido el arte, y que seguirá teniendo en ese nuevo soporte que se ha creado. Este año ha vuelto con una subsede, según ellos como reclamo para los andaluces y aludiendo a las tres ciudades más importantes de Al-Andaluz, Sevilla, Córdoba y Granada, creando un entramado entre ellas que dignifique la importancia que un día tuvieron como potenciadores de la cultura y tomando como objetivo principal de estas anexiones estudiar a través de la representación artística la interacción entre hombre y nuevas tecnologías, partiendo de ese precedente histórico como periodo precursor de los adelantos que se produjeron en Europa a partir del S.XV . Aunque Córdoba haya quedado fuera, por falta de presupuesto privado, que se denegó a última hora teniendo que pasar el conjunto de obras dispuestas para esta ciudad, a Granada y Sevilla; los organizadores siguen pensando en ella para las próximas ediciones.

La gran afluencia de público tanto de la subsede como de la sede en el centro andaluz de arte contemporáneo de Sevilla ha sido un éxito, además la organización a estimado oportuno poner en distintos espacios de la ciudad hispalense las instalaciones de mayor reclamo, para que el público interactué con ellas, lugares como el aeropuerto de San Pablo o la estación de Santa Justa…y se puede decir que ha sido una muy buena elección.
Los espacios utilizados son otra nota a favor, La Alhambra y su entorno son de indiscutible valor, y el palacio de Carlos V es una obra maestra del renacimiento español que junto con las salas de la cripta en las que se a desarrollado la bienal y que están adaptadas para recoger esa pequeña muestra otorgan una gran carga a la subsede haciendo que el paseo para llegar a verla sea todo un disfrute. Con respecto al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo lo único que hay q decir son elogios también, exceptuando su cafetería, que no puede ser más cateta para un centro de arte. Pero el conjunto es impresionante, la mezcla del monasterio de la Cartuja con sus zonas nobles y claustros junto con los jardines dependencias de la antigua fabrica de azulejos y las nuevas instalaciones que forman en general un conjunto de gran valor y con grandes espacios para poder desarrollar grandes actividades culturales.

Esta bienal ha estado divida en cuatro apartados en la que cada uno con su selección de artistas trata un tema de relevancia con la actualidad de la utilización de la tecnología, la nanotecnología, el media art, net art, interactividad y participación… y aparte de esta magna exposición, la bienal ha ido acompañada de charlas, coloquios, debates, proyecciones…que se han realizando en Sevilla con motivo de la muestra, y que comenzaron varios meses antes y continuaron durante el tiempo que se pudo visitar bienal.

La bienal se ha compuesto de obras de gran interés y otras con no tanto, pero el conjunto ha sido bueno. La participación de artistas escogida por el comisario Peter Weibel ha sido muy variada, representación de artistas de gran peso en el panorama internacional, otros no tan conocidos, artistas españoles, y una amplia representación de artistas asiáticos, que como ya sabemos están pisando fuerte.
Las obras fueron de gran interés en su mayoría además de divertidas de ver por la ínter actuación del espectador con la obras nos muestra la gran relación que tiene en la actualidad el arte con las nuevas tecnologías. Con esta muestra podemos admirar como el uso de la tecnología aplicada al arte ha hecho que se desarrolle y evolucione hasta unos límites insospechados hace años. La utilización por parte de Bill Viola del video de alta definición para la realización de sus trabajos, o de sintetizadores visuales con placas de metacrilato para componer música electrónica de unos artistas catalanes, o la visualización de diferentes pantallas en 3D que traspasan al espectador creando una locura visual, el juego de los legs, las instalaciones con sonido o luz, robots que fabricaban coches en serie y que ahora han pasado a escribir la Biblia de Lutero… nos lleva a la conclusión de que en la actualidad el arte depende totalmente de la tecnología para su desarrollo futuro.
Este desarrollo implica que el arte al igual que muchas otras facetas del ser humano, andan por igual al desarrollo tecnológico que en estos últimos años hemos podido admirar. La vida cotidiana ya depende de la tecnología y el arte se sirve de ella en todas sus modalidades, pasando por la escultura, el diseño, la restauración, la pintura… Lo que implica que si ahora conviven de tal forma en la que se advierte una clara dependencia, en el futuro esta tendencia ira en aumento, además de que se puede avistar un mundo artístico tecnológico de gran riqueza que abrirá nuevos e inhóspitos caminos a las experiencias artísticas que el ser humano tendrá que experimentar. Este desarrollo en el arte comenzó a partir de los años 50-60 en los cuales la tecnología jugueteo con la música, el cine, la pintura, la restauración, la escultura, la fotografía… para llegar a la actualidad con una gran dependencia. Algunas artes habían nacido de los avances técnicos así que solo tenían que desarrollarse, pero otras comenzaron un camino que aún continua definiéndose, actualizándose, creando nuevos términos de forma continua y a grandes pasos sin saber muy bien a donde nos llevaran estos cambios
En la actualidad muchas formas de arte ya forman parte de la relación directa que el ser humano tiene con la tecnología, ellas al igual que el hombre dependen ya de los avances tecnológicos. Los artista nos comunica una serie de sensaciones que de otro modo no llegarían a nuestra mente con tanta fuerza, por ejemplo el uso de la imagen a una velocidad lenta con una gran definición, calidad, dimensiones que parecen insuperables, aunque así no lo sea, nos lleva a percibir esas visualizaciones con unas ideas claras transmitidas por el artista tal y como él las ha querido expresar y desarrollar para que el espectador sienta precisamente lo que el artista tenía en mente como repuesta a la visón de su obra.

Las obras escogidas son en su mayoría de gran calidad, haciendo un recorrido por la fotografía, el video, la instalación, la escultura poniendo en conocimiento del espectador la realidad que vive el arte actual y el desarrolle que conlleva para él la tecnología. Una de las obras que se han realizado en espacios ajenos al CAAC y que ha tenido gran interés por parte del público, ya que ha servido para la reutilización de un espacio en desuso desde la expo 92, fue la que se llevo a cabo por un conjunto de artistas sevillanos de la facultad de BBAA y Arquitectura en el pabellón de Europa un espacio que se encontraba en pésimas condiciones y que a servido como soporte de una gran instalación con la que ha visto un atisbo de esperanza para su recuperación como infraestructura pública para el desarrollo por ejemplo de actividades culturales.

Me parece acertado la celebración de esta bienal y dotar a Andalucía de una importancia dentro del panorama actual del arte contemporáneo, deseándole toda la suerte a esta y esperando que poco a poco se vaya abriendo como reclamo en el mundo del arte, pero también veo que aún no a asimilado que los artistas jóvenes andaluces y españoles, por no decir europeos, también deberían estar bien representados en esta bienal. Bien sabido es que los artistas orientales están captando adeptos con sus trabajos, a mi mismo. Nosotros somos los primeros que debemos dar reclamo, oportunidad, y valoración a la gente que forma nuestra comunidad, caracterizándonos por algo que nosotros tenemos, y no por algo que muchos otros tienen, bienal de Shangai, Seúl…ya que si nosotros mismo no lo hacemos quien lo hará. Aún así espero que organizadores y comisarios saquen sus propias críticas y hagan de esta bienal no solo un reclamo para que los fondos invertidos se subsanen en cada celebración, y los asistentes veamos obras de calidad como las que hay, pero intentando otorgar en la medida de lo posible un poco más de repercusión internacional a la gran cantera que creó debe haber aquí.

Después de tener la suerte de haber podido disfrutar de ella, espero que siga celebrándose en ediciones posteriores, pero que cuente con una representación más fuerte del panorama artístico español.

TIILLOS

2008-12-01T17:59:00.009+01:00

Tiilla automata con movimiento en los ojos

CURSO: ESPIRITUALIDAD Y CARNE

2008-11-26T13:55:00.000+01:00

A finales del curso pasado en la facultad de BBAA de Granada la profesora Marisa Mansilla y su grupo de artistico TUMULTO realizaron un curso, en el cual durante un fin de semana nos sumergimos en una ambiente de creación en el que 50 personas realizaron dos trabajos en formato digital, mientras los profesores por medio de performances nos iban induciendo en la espiritualidad y la carne. Estos fueron mis trabajos.

JOSE GUERRERO

2008-11-26T13:30:00.002+01:00

LOS AÑOS PRIMEROS
1931-1950

En esta exposición monográfica de José Guerrero podemos disfrutar de la primera etapa del pintor, su etapa de aprendizaje, Bajo este titulo, la exposición recoge obras creadas en la que podría considerarse como la fase de formación del pintor, que aún no dominaba por completo las diferentes técnicas. Es importante conocer sus principios, para entender cómo había llegado a su madurez, propuso un conjunto significativo de trabajos realizados en los distintos escenarios geográficos ( Granada, Madrid, Suiza, Paris, Bélgica, Londres) e históricos en los que transcurrió su vida, en este caso su juventud, y ver como evoluciono del paso de la figuración a la abstracción, viajando en la búsqueda de aprender arte y modernidad. Podemos disfrutar de lienzos, pero también de papeles, en los que podemos observar que los inicios del artista anticipan su "preocupación por el color y la importancia del paisaje". Además, algunas de las obras expuestas reflejan las "heridas" de la Guerra Civil y de la II Guerra Mundial, así como "la religiosidad" de la época.
Esta exposición se divide en varias partes, la primera lleva por nombre Granada, 1931-946. Recrea la imagen de Granada justo antes y después de la guerra civil, además de algunos cuadros con imágenes de Almuñecar. En la segunda etapa, para mi una época llena de colorido y que destapa su añoranza por aquellos tiempos republicanos en los que se vislumbraba libertades ya negadas, será la llamada de “la Alberca y otros viajes desde Madrid”. La tercera por nombre Suiza, Bélgica, Londres, 1947-1949 en la que da evidencia del españolismo imperante en su obra, cargada de costumbrismo, con influencias de Paul Klee, Henri Matisse, Juan Gris y Kirchner entre otros. Y por último En busca de la abstracción en la que revela por medio de un conjunto de obras sus tanteos en busca de la abstracción.

fotografía. VA DE PERRAS

2008-11-26T13:05:00.000+01:00

Fotografias para proyecto de una exposición en el pub donde trabajo en algunas ocasiones, y hago algunas decoraciones e instalaciones. RINCON DE SAN PEDRO

2008-11-24T20:29:00.001+01:00

Motivación inicial para un proyecto

La descripción de la idea que subyace a la obra que deseo desarrollar es marcar la importancia que en una sociedad como la nuestra recibe el orgullo humano.

Según su significado el orgullo es el sentimiento de satisfacción de alguien por cosas propias a las que atribuye mérito o por cualidades propias que considera superiores a las de otros.
Yo quiero intentar dar un paso más y hacer que esa palabra signifique algo más general. Que el individuo, pueda ser una sociedad o grupo de personas que sienten satisfacción por cosas propias.

Textos creados pero no expuestos al completo en esta pagina.

LA ESCENA ARTÍSTICA DE NUEVA YORK 1974-1986

2008-11-22T01:54:00.001+01:00

EAST VILLAGE – DOWNTOWN

Las vanguardias artísticas del East Village de Nueva York en los años 80, aparecieron en una época en la que la marginación social, la violencia callejera y una epidemia de drogadicción en Manhattan coincidieron con una extraordinaria vitalidad artística. El East Village dio vida a una fauna exótica de artistas bohemios, desde pintores inspirados en los grafitis, como Jean Michel Basquiat y Keith Haring, hasta el andrógino cantante de ópera tecno Klaus Nomi, protagonista del documental The Nomi song, que acaba de estrenarse en Nueva York.
Todos ellos, como gran parte del núcleo de la vanguardia artística del East Village, murieron de sida o sobredosis. Ahora, higienizada, pacificada, desintoxicada y con los inmuebles por las nubes, Nueva York se pregunta si junto con sus plagas se ha erradicado también su espíritu creativo. El recorrido por la movida del East Village -en el sudeste de la isla de Manhattan- hace un cuarto de siglo, nos lleva también a los inicios del hip hop, los grafitis y el break coincidieron con la nueva ola del punk en clubs como CBGB, donde se dieron a conocer conjuntos como Talking Heads y The Ramones.
En un año aparecieron más de 100 galerías de arte en el barrio. Desde los grafitis al Neo-Geo, virtualmente cada avance del arte americano en aquel periodo fue iniciado en este barrio. Las lúgubres calles del East Village, entonces frecuentadas por drogadictos, delincuentes y vendedores de sexo, parecen a años luz del acomodado barrio actual. Hoy, en los locales del East Village ni tan siquiera se puede fumar, ya no se pueden admirar grafitos como los de Basquiat o Martin Wong, ni los sordidos paisajes urbanos de Sue Coe.
El arte pareció prosperar con la degradación urbana y el conflicto callejero, y artistas y galeristas aprovechaban los bajos alquileres para expandirse por el barrio. "Para los artistas era una movida enloquecida. Íbamos con Basquiat y Francesco Clemente al club The World. Pero tuvo su lado malo. Los camellos anunciaban sus drogas por toda la calle, y vi a una niña de 10 años pincharse en la calle", recuerda Ron Taylor, artista de spray.
Una de las galerías más famosas, que exponía a emblemas de la movida como David Wojnarowicz y Luis Frangella, se llamaba Civilian Warfare. Ahora Nueva York es la más segura de las mayores ciudades de los EE.UU. -los delitos violentos han caído un 60% desde los 80- y el precio del suelo se ha disparado en el East Village. Paradójicamente, los artistas se convirtieron en catalizadores de la revalorización, ya que la bohemia cotiza en alza en el negocio inmobiliario.
Las fotos de grafitis de Martha Cooper, ya parecen de otra ciudad. Artistas de grafitis como Quiñones, Seen, Crash, Zephyr, Lady Pink o Daze se hicieron famosos pintando sus tags en los vagones del metro. En la película Estilo salvaje (1981) del artista Charlie Ahearn, grafiteros, raperos y bailarines de break deambulan por un paisaje desolador de edificios abandonados y destartalados.
Basquiat y Haring empezaron a hacer sus propias obras espontáneas en las estaciones de metro y las calles. Eran los tiempos en los que el metro de Nueva York era un emblema de la inseguridad, un transporte para pobres. Veinte años después, todos usan el metro y no hay grafitis. Pero las elegantes galerías de Manhattan actualmente están tan lejos de Fun Gallery o Civilian Warfare como el arte oficial de Christo en Central Park de las actuaciones ilegales de Basquiat en el metro. Es como si todo aquello hubiera ocurrido hace mil años en un planeta lejano.
Esta sensación es aún más fuerte tras ver el documental sobre Nomi, conocido como "el hombre extraterrestre", un joven falsetto alemán que se hizo famoso en el vodevil camp (gay) del club 57 en el East Village, disfrazado de marciano mientras cantaba Sansón y Dalila de Saint-Saëns. Tras convertirse en una figura de culto de la nueva ola musical, adorado por las drag queens, Nomi cantó con Bowie en Saturday Night Live en 1979.
Cuatro años después, con 39, Nomi murió de sida, una enfermedad tan desconocida que ninguno de sus colaboradores fue a verle al hospital por miedo a contagiarse. El sida diezmó la vanguardia del East Village y se cobró las vidas de Haring, Wojnarowicz, Wong, Peter Hujar y otros. La heroína acabó con Basquiat y otro puñado de artistas y, con ellos, el espíritu rebelde del East Village.
Los artistas que formaron estas vanguardias una vez instalados en Nueva York, incluso los europeos, no quisieron irse. Parece que se estaba bien allí. Era igual inaugurar una exposición en un galería alquilada que nadie conocía en la ciudad. Era igual si se podía poner en el curriculum vitae: "1983, exposición en Nueva York". Porque Nueva York es tan grande como pequeño, esa es la verdad. Breton lo comprobaría y quién sabe si al final hizo bien en no aprender inglés. Para qué, si no lo necesitaba. El era un mito y en Nueva York lo importante no es lo que uno haga sino lo que los demás creen que uno hace. Cuando los Gemelos Starn triunfaron clamorosamente a mediados de los 80, el éxito se debió a una crítica de Gary Indiana aparecida en "The Village Óbice", uno de los periódicos más leídos de la ciudad: "No vayan a ver la exposición, corran a verla". Y eso bastó para que la ciudad entera decidiera adorar algo que, aunque no llegara a verse, había que ir a ver corriendo.Y es que hay muchas formas de estar en Nueva York, porque estar no basta. Hay que estar allí como mito, es necesario to make it, como dice una expresión muy neoyorquina: conseguirlo, triunfar. Por eso, cuando se pasea por Soho, el barrio de las galerías, el barrio esencial para el mundo artístico internacional, se tiene la impresión de que sólo pocos lo consiguen y lo consiguen a veces sin querer siquiera hacerlo. Antes se hablaba de Haring y Basquiat, de cómo hacían pintadas en la calle y eran pronto aclamados por la ciudad como artistas, pero incluso en ese caso se trataba sólo hasta cierto de un producto del azar: muchos graffiteros no llegaron nunca a convertirse en artistas.Los encuentros parecen jugar también aquí un papel importante, sobre todo en el caso de Basquiat, que había sido uno de los protegidos de Andy Warhol. A su favor jugaba la fama de maldito y el color de su piel. Estas circunstancias se verían coronadas por una muerte temprana, con 27 años, y un éxito meteórico -la crítica suele decir que "su fama superó a su arte"-. Sus pinturas, entre primitivas y sofisticadas, le llevaron del East Village, lugar de la escena artística radical del Nueva York de los 80, a Soho, y más concretamente a la galería Mary Boone, una de las más prestigiosas, donde con 24 años exponía al lado de los chicos mayores, esos artistas con regusto neo-expresionista. Después de eso, tal vez, sólo quedaba repetirse, igual que Pollock. Y tampoco la muerte de Basquiat pilló a nadie de sorpresa, dijo entonces la prensa: "Pollock se estrelló en un coche, Basquiat se estalló con una aguja".Nueva York nos da, Nueva York nos quita. Y así uno tras otro se iban recuperando países, tendencias a las que, de forma sistemática, se colocaba un neo delante, por si alguien acusaba a los artistas de plagiarios. Y es que en la época de las apropiaciones es posible apropiarse de cualquier identidad. Primero se apropiaron de los alemanes -Anselm Mefer (1945), Georg Baselicz (1938), un grupo de pintores con referentes expresionistas-, luego de los italianos -Francesco Clemente (1952), Sandro Chia (1947)- que seguían esa misma línea neoexpresionista que triunfaba entonces. Europa se recuperaba por países, por oleadas y el crítico Paul Taylor llegó a escribir por esos años un artículo que tituló "Cómo Europa ha vendido la idea del arte posmoderno" parafraseando el título de Guilbaut.Y por fin llegaron los rusos que durante algunos meses inundaron con sus imágenes románticas las galerías neoyorquinas (hacia 1988 más de 200 en la ciudad). Fue ese un lanzamiento sistemático y sin fisuras, que llenó la ciudad de la producción soviética, víctima de la recuperación historicista. Los rusos hablaban de sus raíces, de la memoria, reconstruían el sufrimiento, la reclusión y esos eran temas que gustaba ver expuestos, que parecían apropiados para los círculos elegantes y deseosos de configurar una nueva "corrección política". La memoria era, además, tema recurrente entre los artistas europeos -antes se citaba a Boltanski- y ciertos sectores que investigaban la subjetividad -producciones feministas o multiculturales rescatan con frecuencia temas cercanos a la memoria-. Pero pocos serían los artistas rusos que sobrevivirían al final de la moda, poquísimos, y seguramente lo hicieran aquéllos que planteaban problemas más allá de los étnicos. Una buena muestra es la producción de Ilya Kabakov (1933), que más allá de los propios recuerdos y las propias reclusiones, revisa cuestiones asociadas a la pintura y los problemas que su uso siempre plantea. De hecho, en algunas de sus instalaciones, donde se sirve, como es lógico, de objetos reales, buscados, encontrados, coloca cuadros realistas, anticuados, que nos sitúan frente al territorio ambiguo que plantea la pintura en los 80: de broma o en serio. Los cuadros utilizados por Kabakov, remilgados y pasados de moda, tienen sin duda una función clara: cuadros de mal gusto en una casa corriente. Pero aun así, ¿se resignifican desde el momento en que están ahí, colocados como parte de una obra de arte ? En el caso concreto del artista ruso parece que los usos y funciones de esos cuadros son obvios, pero en otras ocasiones el público -e incluso la crítica- han tenido que enfrentarse con un diagnóstico mucho más enrevesado. Cuando la galería Bess Cutler de Nueva York presentó al final de los 80 una exposición de cuadritos de pequeño formato casi cercanos al paisajismo del XVIII en una ciudad rebosante de conceptualismo, muchos se preguntaron qué era aquello que se vendía, parecería que muy bien, pese a su aspecto anticuado. ¿Era "pintura como pintura" o era simple parodia? ¿Cuál era la clave del éxito de ese "nuevo realismo", la vuelta a la tradición o un guiño a la tradición? ¿Qué queda hoy de todas estas polémicas que se anunciaban para siempre? Seguramente poco. Cuando se presentó en Madrid la muestra El arte y su doble, donde todos los neos convivían felices, se pensó que se abría una nueva época. Al poco tiempo, algunos empezaron a sospechar si no se trataría sólo de deslumbrantes fuegos de artificio, malabarismos típicos de los 80. Pero de poco sirve lamentarse.
Una nota importante es la influencia de artistas como Dubuffet y C.Y. Towombly, Tobey, Pollock, Breton, y Andy Warhol que participa como artista activo en su última etapa, y que funciona como influencia decisiva para las formas artísticas que aparecieron, y como forma de cambio en el arte, ya que desde su aparición el arte cambio su forma ser y estar. Una de los cambios más importantes que estableció fue la convinación de la moda, el diseño, el arte y el glamour, algo que después de la aparición de su figura está unido como modo de espectáculo, al igual que el mercantilismo y la apoderación del arte por el capitalismo, aunque pienso que también tuvo su aspecto positivo en el sentido de que el arte ya podia llegar a ciertos sectores de la sociedad a los que le quedaba muy lejos.
Esta época marcada por el sentido de libertad, modernidad, transgresión y especial creatividad e imaginación, pero con toque melodramático por las drogas y el sida, estuvo formada por multitud de artistas, muchos se escapan de este trabajo pero he intentado hacer una selección de los artistas más representativos de este contexto y que en un momento de su vida participaron en el movimiento de esta escena artistica, una escena más como tantas otras, ejemplo la movida madrileña de los años 80, espacios del tiempo en los cuales la creatividad, la imaginación y las ganas de crear conviven con las drogas, la fiesta, la musica, el arte en general El resto de artistas que no aparecen son tan importantes como estos, ya que sin ellos el espacio creativo no hubiera pasado de simples ideas, artistas que bien se quedaron en el camino, o que siguieron su obra pero se disgregaron y de los cuales se encuentra muy poca información y toda en ingles. Tengo la suerte de conocer a dos de esos artistas Sandra Ancelot y Jean Fraçois Fourtou, que vivieron en esa ciudad en la que un mismo día podías estar presenciando un tiroteo, ver a alguien pinchandose, a otro pintando un graffiti, ver una nueva exposición increíblemente creativa, volver a tu casa y comenzar a trabajar en tu obra, y cuando llega la noche salir de fiesta a un club de moda en el que la comunicación con el resto de personas y las ganas por crear algo nuevo se hacia patente en cada momento.

NUEVOS MEDIOS Y REALIDAD SOCIOCULTURAL EN LA CREACIÓN AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEA

2008-11-22T01:48:00.000+01:00

Crucero del Hospital Real de Granada

“Cada día se hace más importante la necesidad de una proyección sociocultural del arte contemporáneo desde el ámbito de la investigación y de la realización de los más diferentes programas estéticos. Esta funcionalidad se hace evidente por la que tiene el mundo artístico de salir del planteamiento elitista y endogámico en el que se encuentra en gran medida y que nos lleva muchas veces a refugiarnos en ese contexto hedonista y minoritario que no revierte en ningún momento en la compleja realidad político-económica que nos rodea”1 Hoy en día el mundo de las imágenes en movimiento constituye uno de los medios de conocimiento más potentes de la cultura contemporánea. Sin embargo, buena parte de la fascinación que supone la alta calidad técnica y formal de los mismos entorpece sus cualidades comunicativas, a sabiendas de que terminará constituyéndose en una forma de conocimiento y expresión que está llamada a cambiar nuestras formas de acercarnos y entender la realidad.
El Simposio Internacional “Nuevos medios y realidad sociocultural en la creación audiovisual contemporánea” Del que pude disfrutar en mayo gracias a Jesús Rubio, y Alfonso del Rio, es la vertiente teórica del proyecto “Imágenes multimedia de un mundo complejo. Visiones desde ambos lados del Atlántico”, que contempla además una exposición internacional que se celebró simultáneamente en Buenos Aires, La Habana, México y Sevilla en los meses de mayo y junio de 2008. Y que ahora podemos disfrutar en el crucero del hospital Real de Granada.
Este encuentro está ideado para que se pueda proyectar a otros lugares vinculados al proyecto a través de medios virtuales y de videoconferencias.
Además del simposio, hace un mes hubo una serie de conferencias de presentación de los trabajos realizados.
La exposición recoge varios trabajos todos en formato audiovisual, presentados en ese magnifico crucero por medio de proyección con cañones y pantallas digitales, la organización de la exposición es impecable, todos los trabajos te los presenta de forma ordenada sobre fondos blancos en los que te puedes sentar y disfrutar por medio de cascos del sonido del video sin entorpecer la propuesta de al lado. Los trabajos se agrupan por países, con una representación de artistas de cada uno de ellos, en los que están España, Cuba, Argentina… y que nos hablan de realidad socio-cultural, político- económica, de estos países que tanto tienen en común, por el desarrollo de su historia. Los trabajos tocan temas como la homosexualidad, la economía, la cultura… en forma de documental con trasfondo pedagógico y con un toque irónico. Todos los trabajos están fundamentados con el desarrollo en paralelo del simposio y de las charlas de presentación, creando una realidad de la exposición. En ese trasfondo teórico se nos expresó la forma que tienen estos artistas de utilizar la tecnología audiovisual y los nuevos medios en general para expresar su propia realidad sociocultural, utilizando estos como medio para la expresión de la realidad que les golpea cada día. Expertos y artistas debatieron, presentaron y aceptaron ideas por medio de las comunicaciones que se podían entregar para ver todo lo que rodea, y el partido que se le puede sacar a los nuevos soportes que tenemos a la orden del día y que seguirán sirviendo de pilar para las nuevas creaciones futuras. Además estos mismo artistas, e invitados de las conferencias nos presentaron trabajos que realizaron y que van a realizar aparte de la exposición, ofreciéndonos su visión de los nuevos soportes del arte contemporáneo actual.
Gracias a que la organización de la exposición ha sido muy buena en gran medida podemos disfrutar de ella y de su divulgación, además de que creo que ha tenido gran repercusión por la variedad de lugares que han participado y han tenido la suerte de disfrutar de ella, a lo que hay que sumar la publicidad que se ha realizado.
Otro gran acierto es el catálogo de la exposición en el que además de los textos podemos disfrutar de un dvd con todas las obras que la componen, pero como todas las partes no pueden ser buenas, en él no podemos disfrutar de los artistas cubanos debido a que sus obras no quieren que trascienda y tengan divulgación aparte de la exposición y las conferencias por motivos políticos, ya que por desgracia su país aún vive en una dictadura.
En conclusión un conjunto interesante, bien organizado, del que se ha sacado bastante información. Seguirá habiendo exposiciones así de gran calado y calidad, y espero que muchas más en Granada.